José Pablo Escamilla González Aragón- Autorretrato

Autorretrato from José Pablo Escamilla on Vimeo.

Autorretrato creado a partir de la necesidad de darle sentido a la muerte. El sentido, en este caso, se da a partir de las reflexiones sobre el exterior, en el otro, en acciones y eventos que de alguna manera están relacionados con el dolor y vacío que genera la pérdida.

Es por eso que se trabaja con material apropiado, que se monta a partir de la relación que tiene la imagen con la narración, que a su vez son reflexiones que parten del exterior, para encauzar el sentido.

Las imágenes son apropiadas de la red, la música es una mezcla de muchas canciones que reflexionan de igual manera en la muerte, y la narración contiene extractos de "Extremely Loud & Incredibly Close", de Jonathan Saffran Foer, y un párrafo de una carta, escrita por Juan Manuel Escamilla.

Link en Vimeo: http://www.vimeo.com/12191842

Wattstax- Mel Stuart

El "Black Woodstock" fue un evento para conmemorar los riots que ocurrieron en el barrio de Watts en 1965. Se celebra pues, un documental para recordar el evento, pero es más que eso. Va más allá de la mera anécdota, y profundiza también en la identidad de la comunidad negra norteamericana.

La estrategia utilizada a lo largo del documental es intercalar momentos del concierto, con entrevistas a manera de debate con personas de la comunidad negra, que reflexionan acerca de la identidad de los afroamericanos. Este dispositivo nos manda directamente a Jean Rouch, y a la confrontación que él busca, el cambio en los personajes. Me parece que "Wattstax" en este sentido se queda un poco corto en el discurso, pues en los grupos de discusión los que hablan acerca de los afroamericanos son ellos mismos. Lo cuál en un plano es interesante, pues sirve como un documento bastante válido de documentación. -Quién soy yo, cómo me ven los demás-, y existen en algunos puntos opiniones encontradas, pero nada muy relevante. Hubiera sido un buen experimento que en los grupos de debate se hubiera introducido un elemento externo, que estuviera cuestionando e investigando quienes son los afroamericanos del barrio de Watts.

Por esto mismo, el documental cae en un bache, pues a pesar de que la música es excelente, comienza a hacer tedioso el viaje sobre el evento que supuso el concierto. Después de un momento, comienza a seguir una fórmula concierto-debate-concierto, que lo hace predecible y en algún punto, aburrido.

Los disturbios de Watts: http://detroits-great-rebellion.com/Watts---1965.html

Jeff Fuerzeig- The devil and Daniel Johnston

El documental es redondo de pricnipio a fin. Tiene todos los elementos que un documental utiliza: entrevistas, reenactments (en menor medida), animaciones, material de archivo, etc. Está construido para contar la historia de Daniel Johnston, con sus altas y sus bajas, y de alguna manera difundir el espíritu de este gran artista.

La historia de Daniel Johnston está llena de creaciones que de alguna manera son una prueba material de su existencia. Desde sus cortometrajes de la pre-adolescencia, sus canciones, sus dibujos, y todo el concepto que lleva ser Daniel Johnston. Este elemento creo que lo tienen todos los grandes artistas, los más honestos y menos pretenciosos: necesitan estar constantemente justificando y asegurando su existencia y su pensamiento.

Lo que me pareció más interesante de este documental, es cómo parte de éste se construye a partir de las audiocartas y audiodiarios que Daniel realizaba en su grabadora de cassettes. He aquí un hombre siendo lo más honesto posible durante toda su vida, pues constantemente está compartiendo sus pensamientos con sus seres más cercanos en las audiocartas, pero más importante es hablar consigo mismo, ejercicio que muchos se rehusan a hacer. No es posible mentirse a uno mismo.

Me parece además de interesante, muy apasionante, estar escuchando todos los cassettes que Daniel tiene grabados. De alguna manera es como si estuviese realizando los comienzos de su documental él mismo, mediante sus grabaciones.

Una manera en que el documental creo que le regresa a Daniel, es mediante las animaciones de sus propios dibujos. A través de la transformación de sus creaciones, se demuestra el respeto y cariño que el director tiene hacia Daniel, y le hace un bonito homenaje.

Página del documental: http://www.sonyclassics.com/devilanddaniel/

Página de Daniel Johnston: http://www.hihowareyou.com/

Errol Morris- The thin blue line

Morris en esta película aborda la realidad a partir de la construcción. Es un documental que se basa completamente en la construcción de los hechos, en un desvelamiento de los sucesos y de los pequeños detalles, que Morris va dejando escapar poco a poco. El documental intenta cubrir todos los pequeños eventos y opiniones del asesinato a un policía. Para lograrlo, utiliza elementos como el reenactment, las entrevistas, recurre a fotografías y documentos legales.

Lo que sucede con este exceso de información y de ficcionalización de un evento real, a través del reenactment, es que se produce un documental hiperreal. Un lugar que cubre toda la superficie y fondo posibles. No deja nada a la deriva (tanto que logró sacar a Randall Adams de la cárcel).

El tratamiento visual de esta película es tan meticulosamente cuidado, que es en realidad más real que el evento real: es hiperreal. Y es manejado además con una estética televisiva que claramente hace una reflexión sobre los propios medios y la televisión, sobre la realidad.

Con este documental, también se subraya la función social de los documentales, pues le dan voz a los que no pueden hablar, y se logran cosas que de no haber existido el catalizador del documental, no se pudo haber realizado.

Página de Errol Morris: http://www.errolmorris.com/

Review del documental por Roger Ebert: http://www.errolmorris.com/content/review/tbl_ebert.html

Review de Ronnie D. Lankford Jr: http://www.documentaryfilms.net/Reviews/ThinBlueLine/index.htm

Review de mike D'Angelo: http://www.avclub.com/articles/the-thin-blue-line,37677/?utm_campaign=feeds&utm_medium=RSS&utm_source=channel_film





Trailer de "Presunto culpable", documental mexicano que exige que se regrese al proceso legal de un sentenciado por un asesinato que no realizó:

Jim McBride- The diary of David Holzman

¿Hasta dónde puede llegar un ejercicio documental que reflexione sobre la creación de la realidad y la verdad fílmica? Jim McBride hace este ejercicio, realizando un falso documental de un personaje ficticio que filma sus reflexiones y su vida diaria.

La construcción de la realidad, la veracidad del film, la relación del observado y del observador, el metadiscurso. Todo esto es parte de la reflexión que realiza McBride, pero la reflexión es bastante inmediata, y tal vez por la época en la que nos encontramos nos parece un poco obvia, pues ya se ha reflexionado bastante sobre este tema. Esta reflexión constituye un golpe, para la época en que es realizado este documental, pues destruye la idea de realidad documental que se había y que aún hoy existe, y que es considerada casi irrefutable.

Creo que es un buen ejercicio de reflexión, pero intenta ahondar de más, y al no encontrar más fondo, comienza a repetirse y a regresar en las mismas cuestiones.

El hecho de tener a este antihéroe que nos genera todo, menos empatía, pues es un gran fracasado, engreído y ególatra, hablándonos a directamente sentado en lo que parece ser su cuarto de edición se convierte rápidamente en aburrido, y las recreaciones de su vida pierden interés en absoluto.

La única parte que me parece recatable hasta el día de hoy, y que contribuyó a que al final no quedara con un sabor tan amargo, es la secuencia final, cuando relata cómo le robaron todos sus aparatos de registro que había estado utilizando, y la manera en que lo resuelve es con una serie de fotografías tomadas en una cabina, y una mal grabada voz en off. Si el diario hubiera consistido en toda clase de formatos en los que alguien puede registrar su vida, creo que hubiera sido un documental mucho más rico.

Extracto final de la película en Youtube:

Diario de Tiffany en Youtube, quien lleva un registro de sus dietas y ejercicio para conseguir un cuerpo perfecto, porque va a entrar en un concurso de bikini:

Johan Van Der Keuken- El chico ciego

Van der Keuken dice que él no consideró la cámara como medio de expresión sino hasta que le quitó el tripié y la colocó a la altura de sus ojos, tomándola con las manos. Evidentemente que tiene una gran carga de influencia de Jean Rouch, pues además estució en el IDHEC de París, donde se encontró con las películas del cineasta-antropólogo francés. Pero la cámara de Rouch y de Van der Keuken es distinta: Van der Keuken parte de la técnica de Rouch y la adapta a sí mismo. La cámara, para él, es una extensión de su cuerpo, es un sexto sentido.

Y lo hace magistralmente en este documenta. "El chico ciego" parte de una estancia de Johan en un instituto de niños ciegos. Al convivir con ellos y observarlos, comienza a crear un dispositivo mediante el cuál por una parte expresa, a su parecer, cómo es la experiencia (fílmica) de estar ciego, y demostrar la falta de sentido en el mundo que ve.

Las técnicas que utiliza son varias: Al comienzo del film, nos introduce imágenes sin sonido: nos está quitando un sentido, solamente observamos eventos que son particularmente sonoros. Utiliza el close-up como una especie de ceguera. Lo utiliza sobre las manos que reconocen objetos, y sobre los pies que exploran el terreno. Lo que pretende es que el cuadro abarque el mismo espacio que podrían cubrir las extremidades que exploran, y vayamos descubriendo junto con ellos. Utiliza el still como una metáfora definitiva de ceguera, pues la falta de movimiento constituye una falta de visión. Explora las posibilidades de una sinestesia fílmica.

Van der Keuken va más allá del retrato de un personaje o evento, y más bien experimenta sensorialmente con la cámara.

Johan Van der Keuken. La imagen-cuerpo. Por Cristóbal Fernández en Blogs&Docs: http://www.blogsandocs.com/?p=87

Video de instalación "Body and City", donde Van der Keuken, junto con el diseñador Jeroen de Vries, donde exploran el espacio entre la fotografía y el cine en espacios arquitectónicos:
Video donde Serge Meurant explica la obra de Johan Van der Keuken (es sólo para los que entienden francés, porque no tiene subtítulos):

Jean Rouch- Crónica de un verano

Hemos dicho ya que Rouch no pretende solamente retratar a un personaje, sino transformarlo, y crear vínculos. Rouch busca la catársis de los personajes, una apertura que nos lleve a una verdadera revelación, y de ahí se propone cuestionarlos, y mediante estos cuestionamientos, provoca un cambio interno. Aparentemente menor y sutil, pero muy poderoso.

Y no lo hace diferente en "Crónica de un verano". Lo podemos ver en una de las secuencias más recordadas del film: cuando fija un desayuno donde mezcla a los europeos con los africanos, haciendolos discutir sobre diversos temas, que comienzan con el concepto de negritud, y la interracialidad, sigue con las colonias europeas en África, y termina preguntando a Landry si sabe qué es lo que Marceline tiene tatuado en su brazo.

Es un evento tan obscuro y mencionado en la historia del hombre, que pensamos que es imposible que alguien no sepa quién fue Hitler, y qué sucedió con el anti-semitismo en Alemania. Rouch provoca esta confrontación de Landry con un evento de enormes características, que lo hace contraponerlo con la violencia y guerras de África. Es un momento de revelación para Landry, y para todos los demás en la mesa, así como para el espectador.

Con esta simple secuencia, donde una cámara va siguiendo los diálogos y reacciones de los participantes, Rouch logra uno de los objetivos de esta película: mostrar las diferencias con el otro.

La grandeza en Rouch es simpleza, puro genio. Da por obvias algunas situaciones, y nos cuestiona cosas que tal vez son muy básicas, pero que tienen algo más oculto detrás: una revelación, una catársis, un cambio.

Secuencia en Youtube:

Entrevista a Jean Rouch, acerca de Crónica de un verano: http://www.antropologiavisual.cl/entrevista_rouch.htm

Jean Rouch: El cine directo y la antropología social. Por Rosa Elena Gaspar: http://www.revistadelauniversidad.unam.mx/3206/pdfs/96_98.pdf

Crónica de un verano, por Dean Luis Reyes:http://www.eictv.co.cu/miradas/index.php?option=com_content&task=view&id=170&Itemid=50

Hermanos Maysles

Gimme Shelter








Los hermanos Maysles graban un concierto de los Rolling Stones. Sea como sea, el resultado será fantástico, pues en sí son ya un espectáculo que se sostiene fuertemente por sí mismo. ¿Qué es lo que aportan entonces los hermanos Maysles al documental?

En primera, arman un ejército de cámaras, que va cubriendo la mayor parte de eventos posibles entre el público y arriba del escenario. Los cámaras van cazando personajes y situaciones, mostrando la juventud de los finales de la década de los sesentas, y obteniendo una visión más global del evento.

En segunda, y en lo que se basa gran parte de la fuerza de este documental es que al terminar el concierto, montaron las imágenes recopiladas, y las mostraron a los propios Rolling Stones. El evento más relevante del concierto fue el asesinato que ocurrió justo enfrente del escenario. A los Rolling se les ve preocupados, desanimados, y solo esbozan sonrisas de vez en cuando. Porque saben lo que sucedió.

Es impresionante la forma en que los hermanos Maysles nos muestran dos lados de la moneda de los Rolling Stones: eufóricos y espectaculares en el escenario, y preocupados y cabizbajos al ver las imágenes del concierto. Y lo que en realidad hacen ellos es crear la situación: poner a la banda a ver su material, y esperar las reacciones. La estrategia utilizada es similar a la de esperar el momento en que sucedan las cosas, y mientras tanto: observar.

Esto hace la diferencia entre un documental meramente anecdótico de un concierto, y un material que hable mas allá de la música y el espectáculo, y que reflexione acerca del fanatismo, el poder y la violencia.

Gimme Shelter en Google videos:

Maysles Films: http://www.mayslesfilms.com/films/index.html

Gimme shelter en Criterion: http://www.criterion.com/films/637

Salesman








Paul Brennan. Observa la transformación de vendedores de biblia, a un verdadero infierno de competencia. Espacios itinerantes.

Para ser vendedor de biblias hay que ser realmente paciente, pues supone un producto que es indispensable en la casa de cualquier creyente, en cuyo caso ya tiene una, o innecesario en el hogar de la gente que no cree. Es necesario un colmillo para las ventas y mucha paciencia. Los hermanos Maysles así es como lo toman: con paciencia. Se concentran en estudiar las relaciones que constantemente está estableciendo Paul con sus clientes, nuevos cada día, y con sus compañeros.

Al seguir a Paul y observarlo en su ambiente de trabajo, poco a poco nos vamos dando cuenta que lo que pensábamos que era rutina de trabajo es una estrategia de supervivencia. Paul y sus compañeros están constantemente compitiendo entre ellos, y entre otros más vendedores. Lo que parecería ser un trabajo de bastante serenidad, viéndolo desde la religión, termina siendo una aplastante competencia, en la que cada segundo cuenta para realizar la venta deseada.

Los Maysles simplemente esperan en silencio, a que las situaciones vayan una a una creandose, y los personajes se desarrollen mientras se desarrolla la película. La cámara no es participativa mientras Paul está con sus compañeros, y simplemente se encarga de observar en silencio. Cuando se encuentra sola con Paul, funciona como un interlocutor, más en silencio, pero tiene una interacción directa con el personaje, al que deja explayarse a sus anchas.

Otro aspecto importante del documental es la construcción del no-espacio que constituye estar viajando de un lugar a otro. El documental crea esta sensación de movimiento incesante, pues en esto se basa el trabajo de vendedor de puerta en puerta: cubrir una zona y moverse a una nueva. Es un documental basado en los no-lugares, pues en su mayoría se desarrolla en cuartos de hotel, dentro de automóviles, en restaurantes, y cuando se entra en una casa, se hace en calidad de extranjeros.

A partir de la estrategia observacional, desarrollada por el "Direct cinema", los hermanos Maysles recopilan pequeños beats de acción y conflicto, que unidos construyen una gran película, que bien podría verse como ficción.

Gerald Peary, ensayo sobre los Maysles brothers: http://www.geraldpeary.com/essays/mno/maysles.html

3 entrevistas con Albert Maysles:

http://www.furious.com/perfect/albertmaysles.html
http://www.avclub.com/articles/albert-maysles,13682/
http://www.brooklynrail.org/2006/07/film/uncontrolled-cinema




Grey Gardens






El método observacional de los hermanos Maysles llega a su clímax en este documental. En este caso, nos presentan la podrida relación entre Edith Bouvier y su hija Edie Bouvier Beale. La estrategia es la misma: observar sin intervenir más de lo necesario en las situaciones que se crean.

La cámara retrata con gran maestría la casa, y constantemente está sugiriendo una especie de simbiosis entre las dos mujeres y la casa, descubriendo la casa a la par que se descubre la relación entre ellas, describiendo el lugar como si se estuviera describiendo la dinámica familiar. Logra hacer del espacio, un reflejo dramático de sus personajes, cosa que también logran en sus otros documentales: Gimme Shelter, concierto y sala de proyección; y Salesman, moteles y coches.

La cámara observa con un ojo al encuadre, y con el otro estudia a dónde podría dirigirse, es una cámara que reencuadra y edita dentro del cuadro, una cámara que genera frases, al cambiar de objetivo durante la toma. Toma la teoría de montaje de Eisenstein y la realiza dentro de una toma. Es una cámara intuitiva, que acompaña la acción, y la precede; y funciona como un catalizador de los traumas y represiones de los personajes, generando así roces y luchas entre ellos. Su participación se va volviendo cada vez mayor mientras se desarrolla más el film, pues comienza siendo una especie de confidente de Edie, quien comienza a contar su historia, y se vuelve un catalizador de peleas y de espactáculos por parte de Edie, quien llega a desarrollar una actitud de seducción con la cámara. Tener un dispositivo de esta magnitud despierta en las mujeres tristeza, nostalgia y locura.

Comienzan a comportarse de ciertas maneras frente a la cámara, y ése es el gran gancho de la película: los personajes se desvelan completamente frente a la cámara, que simplemente observa.

Frases de la película, en el sitio oficial: http://www.greygardensonline.com/factoids.html

Grey Gardens en Maysles Films: http://www.mayslesfilms.com/films/films/greygardens.html

Notas de Grey Gardens, por Hilton Als en Criterion: http://www.criterion.com/current/posts/125

Entrevista con Albert Maysles, acerca de Grey Gardens: http://www.cbc.ca/arts/film/maysles.html

Frederick Wiseman- Juvenile Court

Frederick Wiseman trabaja observando. Observa y trata de no influir dentro de lo que cabe, en el accionar de los personajes, aunque él sabe que se actúa distinto ante una cámara, y lo utiliza a su favor. Lo que es realmente importante en el trabajo de Wiseman es la edición.

A través de la edición, Wiseman comienza a seguir simultáneamente casos de chicos que terminaron por delitos mayores o menores en la correccional. Desde un robo a un KFC hasta presunto abuso sexual. Lo que realiza Wiseman, sin avisar ni hacer mucho alarde al respecto es una fina contraposición de situaciones, para que el espectador, inmerso en los problemas, constantemente se esté preguntando si es necesario que los chicos estén en esa situación en ese momento, o sería mejor que solamente les dieran una advertencia o trabajo comunitario.

Wiseman deja en claro también que el sistema no se toca el corazón, aunque sean chicos. Aunque les deja la posibilidad de convertirse al cristianismo a través de una secta fanática, que asegure que nunca jamás volverán a consumir drogas, pero si no, amenazan incluso con la pena de muerte. Y eso lo hacen desde una supuesta culpabilidad.

La genialidad de Wiseman lo hace camuflarse de una manera muy visible, de manera que los personajes dominantes, en este caso el juez y los abogados, actúen "de la manera correcta", como Wiseman quisiera que actuasen, para reforzar sus puntos. Por ejemplo, con el chico al que amenazan de pena de muerte.

El dispositivo que utiliza Wiseman, es el del Direct Cinema, de observar y esperar que las cosas pasen, fijando bien el objetivo de la cámara. Es pretender pasar desapercibido, pero desatar determinadas situaciones con la cámara, cosa en la que Wiseman es un verdadero genio.

Entrevista con Gerald Peary: HYPERLINK "http://www.geraldpeary.com/interviews/wxyz/wiseman.html"http://www.geraldpeary.com/interviews/wxyz/wiseman.html

Raymond Depardon- Delitos Flagrantes

¿Cómo saber quién es el bueno y quién es el malo cuando se nos presenta un plano que confronta dos personajes que ocupan la misma posición y tamaño en el cuadro? La manera en que Raymond Depardon fotografía este documental es sumamente interesante. Solamente deja la enfrentación entre estas dos partes. La deja correr y correr, hasta que poco a poco se van desarrollando ambos personajes. Y comienzan a jugar un juego de verdades y mentiras que poco a poco va formando una supuesta sucesión de hechos. “No importa la verdad, sino la verosimilitud”, como dice uno de los trabajadores del Estado.

¿Pasa desapercibido Depardon? No, pues todos los personajes saben que están siendo grabados. E interactúan con la cámara. Saben qué hacer frente a los personajes que los interrogan, y ahora utilizan la cámara como un tercer elemento. Se utiliza al espectador como elemento neutral entre las discusiones que se tienen con respecto a la ley. Y los delincuentes en este caso, tratan de ganar la simpatía del público. Simpatía que se debate entre uno y otro lado dependiendo de cada personaje.

Raymond Depardon: La dostancia justa para la cámara. En blogs&docs: http://www.blogsandocs.com/?p=196